PROGRAMME 2009       
                                       

                                                         juin


                                                                                                                    Samedi 20 juin: inauguration de la salle Yvain                                                              

                 
       

        Scènes de la vie quotidienne, ambiance d’intérieur, de bar, de musique, expressions des corps et des visages, solitude, attente, espoir, morceaux de vie, arrêt sur image, ombre et lumière, perspectives chavirées, ocres bruns, gris colorés, couleurs contrastées…
L’humain et son environnement comme sujet central de sa création. Evoquer sa présence émotionnelle en des lieux privés ou publics, figurer l’âme humaine dans les situations du quotidien.
Parler de ces sentiments qui nous sont à tous communs : sentiment amoureux, partage, espoir, émotion de la rencontre, questionnement existentiel, mémoire, solitude, attente ! Emotions liées aux lieus et aux objets.
Parler de ce flottement entre les choses du passé et celles à venir, comme des « arrêts sur image » d’un moment furtif d’où subsiste un souvenir émotionnel.
Rendre palpable ces états d’être en utilisant des jeux de peinture contrastés où l’ombre et la lumière ne sont plus seulement des éléments esthétiques et graphiques, mais deviennent un « langage » qui accentue le propos !
Chaque tableau n’est pas un but en soi, mais représente un pas plus ou moins grand d’un cheminement créatif à étapes qui n’a pas de fin.
Comme une invitation, une porte ouverte aux autres…et à lui-même.

    du 3 au 29 juillet
       

               Peindre c’est préserver l’essentiel, toucher l’âme par la lumière en structurant l’impalpable, c’est être libre sans compromission, chercher l’absolu à la lisière des formes, se laisser surprendre par l’inconnu surgissant, refuser l’enclos, ouvrir l’espace du rien, guetter l’instant suspendu, préserver la mémoire du dialogue initial, inscrire un noir pour nous rappeler notre dimension temporelle, amorcer une courbe qui est un fléchissement de la rigueur, une concession à l’immuable, exprimer enfin avec humilité l’image silencieuse de l’intensité.
La couleur tombe comme un rideau, fluide et transparente. Elle devient voile, elle se fond, se perd et se dissout dans une matière vaporeuse et impalpable. Le geste s'amplifie, s'allège, se dégage de toute nervosité. La verticalité impose sa présence austère et sensuelle, forte et fragile à la fois. Le voile se déchire, le blanc pénètre la couleur, inonde la surface et l'espace se distend jusqu'à devenir immatériel. La toile est désormais un espace de silence, de paix et de méditation.

                 

        Depuis trente ans en région parisienne et en Amérique Latine, Odile Frachet exerce la profession de sculpteur.
Céramiste, elle travaille d'abord le grès, la porcelaine…Ses assemblages de plaques de terre, modelées, gravées, émaillées, brûlées deviennent sculpture.Ses esquisses de formes sur papier l'amènent dès 1989 à présenter des peintures, compléments directs de l'univers traduits par ses sculptures. Sa peinture associe emploi de pigments, techniques mixtes, collages…et se manifeste par une figuration abstraite

          Sculpteur autodidacte qui, au travers d'un amalgame de matières choisies pour leurs qualités plastiques, cherche à mettre en évidence une vision interne, cette autre fréquence.    Volontiers abstrait (ce qui n'exclut ni la fantaisie, ni la poésie), l'objet portant toute sa charge émotionnelle s'ouvre à d'autres espaces, autres lieux.

            On dit de ses œuvres qu’elles sont « hors mode ». Le vêtement l’inspire pour ses découpes, ses plis, son tombant ; pour son lien avec la femme et le linge de maison ; pour son histoire à travers époques et civilisations.
Si, souvent l’esprit de récupération de l’Arte Povera ou de l’Art Brut l’accompagne, son inspiration se cristallise au cours de voyages en Europe, Asie ou Moyen-Orient, mais prend sa source également dans les arts populaire de sa région Bretagne.
L’œuvre détournée de sa fonction utilitaire se charge d’un autre pouvoir : ludique, narratif, méditatif, exploitant et conservant toute trace de mémoire, précieuse comme un fragment de vie à transmettre.

            Les compositions de Sylvie Guillemé nous invitent au sein de paysages qui oscillent entre réalités et imaginaires. Elle nous transmet à « fleur de toile » ses émotions issues de la nature telle les écritures d’un poète. Là, où se trouvent les plus belles compositions abstraites : celles qu’elle aime nommer « figuration » de l’âme. Elle nous invite à un voyage de Lumière Intérieure. Méditation. Ce goût pour l’écriture se prolonge dans son travail en duos avec les écrivains-poètes, Deniz Guébert et Aline Robel.

             Son travail laisse transparaître l’influence de ses origines du nord de la France et de son riche passé industriel. Cette influence se traduit par les divers processus créatifs se manifestant régulièrement par la notion de l'industrialisation : la répétition, le rythme, l'emploi de matériaux tels que : carton, textile...
Un des thèmes récurant est la production en série, en masse. En effet il travaille sur plusieurs séries, sur des supports et des techniques variés : photographies, sculptures, collages, coutures...
La récupération de textile et de carton est fondamentale dans son travail car il se réapproprie ces matériaux qui constituent la base, le socle de son processus de création.
La répétition, le rythme, la trame et la cassure guident ses séries d’expérimentation.
Le dernier thème important dans sa démarche est celui de la récupération d’objets et de matières délaissées, abandonnées. L’objet se nourrit du recyclage, de la réappropriation, de la transformation pour être révélé sous une autre forme.